AUDITORIUM-MAXIMUM

ORQUESTA FILARMÓNICA DE MEDELLÍN.
DIRECTOR INVITADO: FRANCISCO RETTIG (CHILE)

Das Lied van der Erde (La Canción de la Tierra) es un ciclo de canciones en forma de sinfonía, un trabajo en gran escala para dos solistas vocales y orquesta escrito por el compositor Gustav
Mahler.

Compuesta entre los años 1907-1909, siguió a la Octava  Sinfonía o Sinfonía de los Mil pero no recibió número, supuestamente debido al temor supersticioso del compositor respecto al significado mortal que tiene la novena sinfonía.  La obra está distribuida en seis movimientos separados, cada uno es una canción independiente, aunque también cumple la función de los distintos movimientos dentro de una estructura sinfónica.

El uso de Mahler de ciertas características "chinas" (escala pentatónica, escala de tonos enteros, uso de determinados instrumentos) hace que este trabajo sea el primero de estas características en su obra. Inspirado en una colección de 83 poemas traducidos del chino por Hans Bethge, Mahler extrajo aquellos que estaban centrados en la tierra, la naturaleza y la soledad del hombre en el seno de estos elementos. El tono es a veces deprimido, pesimista, pero hay también en la obra despego, ironía y finalmente, comunión.

El Colegio Alemán Medellín presenta esta obra por primera vez en Colombia con motivo de la inauguración de su Auditorium Maximum.

Primer Movimiento: Das Trinklied vom Jammer der Erde
(La canción báquica de la miseria terrenal)

Segundo Movimiento: Der Einsame im Herbst
(El solitario en otoño)

Tercer Movimiento: Von der Jugend
(De la juventud)

Cuarto Movimiento: Von der Schonheit
(De la belleza)

Quinto Movimiento: Der Trunkene im Frühling
(El borracho en primavera)

Sexto Movimiento: Der Abschied
(La despedida)

Gustav Mahler

Nació en Kalist ., Bohemia, actualmente República Checa, el? de julio de 1860 y murió en Viena el18 de mayo de 1911. Compositor y director de orquesta, sus composiciones se encuentran entre las obras de Postromanticismo más importantes. En las primeras décadas del siglo XX, Gustav Mahler era recordado como uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento. A mediados de ese siglo, una creciente valoración por la interpretación de sus obras y el estudio de su vida lo reconoció entre los compositores más destacados en la historia de la música.

 

La Orquesta Filarmónica de Medellín es una institución musical profesional, fundada en el año de 1983 por su actual Director, Maestro Alberto Correa Cadavid y por el Estudio Polifónico de Medellín, con el objetivo de estudiar y divulgar la música sinfónica y coral-sinfónica en nuestro medio.

Actualmente realiza una formidable labor con la presentación de más de 120 conciertos anuales; entre los cuales 20 son conciertos populares y didácticos escolares para los planteles educativos de la ciudad y el departamento, contribuyendo de esta forma a crear una cultura artística
entre los jóvenes.

Ha ejecutado en unión con el Estudio Polifónico de Medellín más de 35 obras sinfónico-corales, incluyendo oratorios, misas, cantatas profanas y óperas.

Su repertorio está conformado por más de 800 obras de todos los estilos y períodos de la música. Complementa su labor musical con la docencia, ofreciendo la oportunidad a los jóvenes estudiantes de las escuelas de música de la ciudad, de realizar pasantías en la Orquesta, bajo la tutoría de los Jefes de grupo, como también realizando talleres para sus mismos instrumentistas.

La ciudad de Medellín ha condecorado en varias ocasiones a la Filarmónica bajo diferentes gobiernos municipales y la ha declarado patrimonio cultural de la ciudad.

Director invitado: Francisco Rettig (Chile).
El maestro Rettig es considerado un músico de especial temperamento y perfecto equilibrio entre técnica y musicalidad; de gran autoridad musical, elegancia y larga experiencia.

Rettig, de origen chileno e italiano, ha dirigido más de 60 orquestas prácticamente en los 5 continentes y está vinculado desde el año 2009 como Director Asociado a la Orquesta Filarmónica de Medellín. Reconocido internacional mente por sus interpretaciones del repertorio post-romántico alemán, especialmente sus visiones de las obras de Mahlery Bruckner.

Actualmente es principal Director de la Orquesta de la Radio TV Rumana con sede en Bucarest.

Solista invitada: Alejandra Malvino (Argentina).
Es licenciada en Fonoaudiología y egresada de la carrera de Canto y Maestría del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón de Buenos Aires. Fue semifinalista de los concursos internacionales Belvedere 1994 y Luciano Pavarotti 1995. Desde 1994 participa en las temporadas líricas del Teatro Colón en títulos tales como: "Carmen", "Madame Butterfly", "El Castillo de Barbazul", "Boris Godunov", "Die Walküre", "Wozzeck" ,"Armida" y "Violanta". Fue seleccionada para los Premios Konex 2009en la disciplina Cantante Femenina por su importante trayectoria en la última década dentro de la música clásica.Actualmente se desempeña como maestra de técnica vocal en la carrera de Canto del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

Solista invitado: Diego Tomckowiack (Chile).

Graduado en Pedagogía y Licenciatura en Educación Musical en la Universidad de la Serena, Chile. En 1993 ingresó al Conservatorio Real de Bruselas donde continuó sus estudios de Ópera. En 1996 ingresó al Instituto de Ópera de la Escuela de Artes de la Universidad de Boston, Estados Unidos. En enero de 1995 participó en la "Gala Lírica 95" con la Orquesta de la Radio Televisión Española en Madrid. En 1998 participó como solista en la grabación del "Stabat Mater" de Dvorak, con la Orquesta Sinfónica Juvenil de Bruselas. Desde 1999 ha interpretado roles en el Teatro Municipal en Chile, en el Comunale de Bologna, Teatro Massimo Bellini de Catania, Teatro de la A.B.A.O. en Bilbao, Teatro Solís en Montevideo, Balírica en BuenosAires y con la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Ha participado en megaconciertos tales como "Los Tres Tenores Chilenos le cantan a Santiago" junto a Tito Beltrán y José Azocar.

DIRECTOR: CARLOS ERAZO CHARRY
SOLISTA: JOSÉ GARCÍA, CLARINETISTA
 

G. Rossini
Overtura de la ópera La italiana en Argel

W. A. Mozart
Concierto para clarinete y orquesta en la mayor K 622

L. V. Beethoven
Sinfonía No. 5 en do menor opus 67

NOTAS AL PROGRAMA
GIOACCHINO ROSSINI

La italiana en Argel, obertura.

Es “La italiana en Argel” una de las obras maestras de Rossini, aunque el compositor solía referirse a ella como “mi pasatiempo”. El mismo día del estreno la ópera tuvo un éxito extraordinario, el público veneciano hizo repetir a los cantantes casi todas las piezas, y Rossini fue acogido con una gran ovación.

Comienza la obertura con un corto Andante, protagonizado por el oboe, que conduce a un  Allegro  de  gran virtuosismo para los violines y los instrumentos de madera. La sencillez melódica y la eficacia dramática asombran, y el sabor y los colores instrumentales son verdaderamente encantadores.

WOLFGANG AMADEUS MOZART.
Concierto para clarinete y orquesta en la mayor (K 622)

El 1791,  quedándole tan solo unos pocos meses de vida y en medio de la miseria material, Mozart trabaja sin descanso. Es el año de las grandes obras maestras, el último concierto para piano, el Quinteto de cuerdas K 614, al que ilumina una inesperada alegría, el motete Ave Verum  K 618, La clemencia de Tito, La flauta mágica y el Réquiem. Sabemos, por una carta dirigida a su esposa, que hacia el 7 de octubre de 1791 la orquestación del Concierto para clarinete, destinado a Anton Stadler, había sido concluida. En él Mozart explota al máximo las posibilidades del instrumento. Su sonoridad y plenitud son inimitables, equiparables tan solo a su ternura y a la flexibilidad de un canto que nos hace olvidar el virtuosismo.

 

LUDWIG VAN BEETHOVEN
Sinfonía no. 5 en do menor opus 67

 

Frecuentemente se ha denominado a la Quinta Sinfonía el “Poema del Destino”, a causa de cierta anécdota referida por Schindler, el secretario de Beethoven, quien goza hoy de escaso crédito debido a la poca seriedad de sus afirmaciones. Sin embargo, parece ser cierto que al interrogar un día al maestro sobre el significado de las notas que inician la obra, le respondió el compositor: “Así llama el destino a la puerta”. Algunos sospechan que Beethoven solo quería burlarse de Schindler, a quien  el maestro solía embromar. Sin embargo, ese principio de la sinfonía, base de todo el primer movimiento, parece entrañar, efectivamente, la expresión de una fuerza fatal que impone su poder. Además, en varias obras anteriores del artista (particularmente en la Sonata Appassionata), encontramos ya la desesperada lucha entre un elemento fatídico y un esfuerzo titánico de voluntad optimista que termina triunfante.  Esa heroica voluntad en la que el hombre encuentra su escudo contra la adversidad, es la misma con la que el maestro  nos conduce a través  de la sinfonía hasta el canto de victoria del último movimiento.

DIRECTOR CARLOS ERAZO.

Comenzó estudios de violín con el profesor  Pedro Romero para continuar con la profesora Ruth Lamprea en el Conservatorio de la Universidad Nacional. Tomó clases particulares de su instrumento con los profesores Valentín Stefanov y Rika Seco.

Durante veintiún  años formo parte de la Orquesta Sinfónica de Colombia. En Medellín ha sido integrante  de la Orquesta Filarmónica de Medellín, y de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Eafit. Trabajó durante nueve años como profesor de violín de la Red de Escuelas de Música de Medellín. Fue director por siete años de la Orquesta Infantil y Juvenil de Medellín, agrupación  con la cual realizó innumerables montajes con obras del repertorio clásico y de ópera, además de conciertos en distintas ciudades del país.

En el exterior con la misma orquesta tuvo la oportunidad de dirigir  en ciudades como Quito en Ecuador, Cáceres y Madrid en España, Roma, Florencia y Venecia, en Italia. Se desempeñó como director musical en diversos montajes de ópera y zarzuela para la Fundación Prolírica de Antioquia. En la actualidad termina la carrera de dirección de orquesta en la Universidad Eafit.

Desde el año 2009 ha dedicado todos sus esfuerzos a consolidar la Joven Sinfónica de Colombia , orquesta de la cual es fundador y director.

 
 

SOLISTA  INVITADO: JOSE GARCÍA TABORDA.

 

Clarinetista y docente. Uno de los profesionales más destacados de su generación, su experiencia se enfoca en la docencia y la música de cámara. Actualmente es profesor de clarinete, música de cámara y metodología en la Fundación Universitaria de Bellas Artes, y la Universidad EAFIT – CEC. Además de ser profesor invitado regularmente en diferentes instituciones del País.

Como músico de cámara ha sido miembro fundador del Cuarteto de Clarinetes de Medellín, integrante del Ensamble de Música Nueva de la Universidad EAFIT, del Quinteto de Maderas Arval, el dúo “Pra”, el Cuarteto de Clarinetes EAFIT y el Ensamble Mandala, con los que se ha presentado en diferentes escenarios dentro y fuera de Colombia.

Realizó Ha trabajado en diferentes proyectos de grabación y difusión  de música colombiana, entre los que se destacan, la sonatina para dos clarinetes del compositor Colombiano Roberto Pineda Duque, Además de esto, es miembro activo del comité organizador del Día del clarinete y del Festival internacional de clarinete ClarinEAFIT desde el año 2008. sus estudios de clarinete con el reconocido clarinetista colombiano Javier Asdrúbal Vinasco. Es Licentiate of the Royal Schools of Music, tiene un Diploma en clarinete otorgado por The Associated Board of the Royal Schools of Music, y Maestría en Música de la Universidad EAFIT. Ha tomado cursos y clases maestras con André Moisan, Rafael Velasco, Eddy Vanoosthuyse, Jaime Uribe, Isami Kawachi, Mario Zambrano, Francesco Belli, Rafael Suarez, Christopher Jepperson y Joan Enric Lluna. Desde el año 2011 el profesor García es artista exclusivo de Rico Reeds.

Rodeada de instrumentos musicales desde sus cuatro años; enamorándose del piano, en las noches vacías de los pasillos y salones del Palacio de Bellas Artes de Medellín; imitando deliciosamente las notas que durante el día la habían acompañado, y que hoy lo siguen haciendo, en plena celebración de sus más de 50 años de vida artística; así, radiante, llena de cadencias, así vemos y admiramos a Teresita Gómez.

Han pasado por sus manos experiencias excelsas en recitales que han recorrido con brillo nuestro país y muchos países más. Agregada Cultural en la República Democrática Alemana en 1983, se le abrieron muchas puertas para perfeccionar su técnica, y consagrarse así como la gran pianista que es. Con su primer concierto europeo en París y luego en escenarios como Viena, Basilea, La Haya, Budapest, Varsovia, La Habana, Caracas, Brasilia y Rio de Janeiro, donde quiera dejó huella de su inspiración, su maestría y su talento.

Hoy, con su labor artística y de docencia en Medellín, ciudad que ha reconocido su fructífera vida artística en el premio "El Colombiano Ejemplar", con la publicación de sus álbumes por la Universidad de Antioquia y su presencia en el Auditorium Maximum, Teresita está en la cúspide de su gloria!.

¡Gracias, Teresita Gómez por deleitarnos con su milagro estético! ¡Gracias, querida Maestra, honor de los colombianos y honor del género humano!.

Belisario Betancur
Bogotá

NOTAS AL PROGRAMA
Por: Rafael Vega Bustamante

"El silencio es esencial para disfrutar plenamente la música en una audición". 5 Celebramos el regreso de la pianista medellinense Teresita Gómez, y especialmente por ser invitada a ocupar el estrado del Auditorium Maximum del Colegio Alemán. Este auditorio, por su arquitectura funcional, por su belleza y su maravillosa acústica es un lujo para Antioquia, Colombia, y América, y digno de figurar al lado de los mejores de Europa. Ha escogido Teresita un programa con obras de cuatro de los más grandes compositores de música para piano: Bach, Beethoven, Brahms y Chopin.

Fantasía y Fuga en sol menor, BWV 542, para órgano, transcripción para piano de Franz Liszt.

"Se cree que este par surgió de la yuxtaposición de una fantasía escrita en el período de Cothen (1717-1723) con una fuga preexistente de la etapa de Weimar (1708-1717). La primera pudo haber sido compuesta por Bach para interpretarla en Hamburgo con motivo de su viaje a esa ciudad en 1720 y cabe analizarla como una tocata por la improvisación, que lleva hasta unas proporciones poco menos que gigantescas el principio del recitativo organístico de la escuela del norte de Alemania. Dos secciones en Fugato actúan como interludios. El efecto de contraste es grande por el formalismo y las estudiadas proporciones de la extensa y virtuosista fuga. Su tema es una danza holandesa que pudo haber sido indicada a Bach como tema de alguna improvisación". (Martínez Miura).

Esta obra ha sido desde el principio una de las más famosas composiciones para órgano de Bach y una de las más ejecutadas, con razón Liszt hizo la versión para piano.

"Desde el punto de vista de la armonía la Fantasía es la obra más atrevida que Bach escribió para órgano y a veces se le ha comparado con la Fantasía Cromática y Fuga para piano. La fuga la comparó un copista contemporáneo de Bach como "La mejor pieza escrita para pedal del Señor J. S.Bach." (Nota del CD, Archive de DG.)

Sonata nº 26, para piano "Los Adioses", en Mi bemol mayor, opus 81ª de L.v. Beethoven.

Es una obra atípica de Beethoven, primero porque tiene programa, y segundo por tener las indicaciones de los movimientos en idioma alemán donde expresa la despedida del Archiduque Rodolfo, amigo, alumno y protector de Beethoven al alejarse de Viena, con motivo de la llegada de las tropas napoleónicas. Según Alfredo Casella: "la idea literaria de este admirable poema le fue hecha al compositor, sugerida por el propio archiduque".

La partitura proyectada en el mes de mayo de 1809, exactamente durante los días en que el ejército francés avanzaba hacia la capital fue terminada en enero de 1810, poco después del regreso de Rodolfo a Viena. La sonata opus 81ª pertenece pues, a una tendencia a la que Beethoven se aficionó durante algún tiempo y de la que como se sabe se alejó luego mil leguas. Pero la llamó "Sonata Característica" evidente alusión a un contenido emotivo fuera del común, luego al principio de cada movimiento había escrito: "Abschied, Abwesenheit, Ankunft" es decir (despedida, ausencia y llegada). También en la primera edición aparecieron en francés los títulos de los movimientos: Les Adieux, l´Absence et le Retour. Esto, inventado por el editor mereció las protestas de Beethoven.

La Sonata op. 81ª representa pues, un momento importante en la evolución del lenguaje beethoveniano, en ese trayecto que va de la combativa dialéctica de las tres primeras sonatas al equilibrio menos aparente pero más profundo del segundo período y finalmente, al enrarecimiento de las últimas páginas pianísticas.

ANÁLISIS DE LOS TRES MOVIMIENTOS.

Los movimientos son tres (el allegro está precedido de una introducción), breves y concisos los dos primeros y más extenso y elaborado el último. De gran interés conceptual es el adagio introductorio –página velada de melancolía que sigue a las tres sílabas que forman la palabra "Le-be-wohl" (y donde parece que se oyen acentos de cornos) tal es el "germen temático" que aparecerá como motivo de unión en el curso de toda la sonata. Pese a lo insidiosa que pueda ser la lente deformadora del descriptivismo, no nos queda más remedio que seguir, con los demás, el simbólico viaje del archiduque. El allegro relata con tonos maravillosos y alejados de toda retórica, la precipitada partida acompañada por inquietudes, turbaciones e incertidumbres. También en este movimiento es posible distinguir el Leitmotiv "Lebewohl" que utiliza Beethoven en su última fantasía, bajo la forma del segundo tema. La coda es de una amplitud excepcional (por si sola iguala en duración a la exposición y desarrollo) e incluye dos cánones, el segundo de los cuales introduce contrastes armónicos muy ásperos, inconcebibles para los contemporáneos. El embalamiento final de las corcheas hacia el agudo –según muchos intérpretes – es la imagen del viajero que desaparece en la lontananza. También el andante se apoya en un carácter de improvisación. La estructura es bipartita, pero presenta algunas anomalías destacables: falta el episodio central y la segunda parte es la exacta reproducción de la primera, trasportada a un tono más bajo. Estas dos partes se alternan, y cada una de ella introduce un tema surgido de la transformación del motivo del adagio inicial. Todos los comentaristas han confesado gracias a la ambigüedad

de esta página, algunas libres sugerencias – sosegada melancolía, confesión, sensación de espera, impaciencia, oprimente desolación. El movimiento final es extenso, complejo, surcado por mil arroyos. También en él se distinguen dos secciones: un episodio tumultuoso y un episodio tranquilo e idílico. La célula Lebewohl reaparece como para volver a repetir el adiós, esta vez transformada en un grupito rápido y brillante. Finalmente es genial el hallazgo de insertar, antes de la conclusión, "un 'poco andante', en el que Beethoven evoca por última vez el tema: es un canto dulce de júbilo interiorizado, reforzado por un carácter exquisitamente camerístico, que adopta el aspecto de una charla entre amigos que se han vuelto a encontrar". (Nota tomada de "Beethoven, Repertorio completo", por Amedeo Poggi.)

Dos Rapsodias op. 79 para piano, de Johannes Brahms.

El título de rapsodia es engañoso ya que estas dos no poseen esa libertad más o menos desordenada o ese aire de popurrí que habitualmente caracteriza a tales piezas. Al contrario, estas dos composiciones están perfectamente estructuradas como sonatas dentro de un tono un tanto caballeresco que recuerda al de las Baladas. Son por ello menos modernas que las más juveniles y apasionadas páginas de la opus 76 y, en todo caso, entrañan una personalidad orquestal más acusada.

Rapsodia nº 1 en si menor, de Johannes Brahms.

Agitato, es incluso heroica, aunque aparece contrastada con pasajes de infinita ternura. Puede definirse como un vasto scherzo con trío. El primer motivo tiene gran vehemencia y el segundo, muy cantabile, se ve bruscamente interrumpido por un desarrollo de rasgos beethovenianos sobre aquel motivo. El Trío, en si mayor, `meno agitato`, está basado en el segundo tema.

Rapsodia Nº 2 en sol menor, de Johannes Brahms.

El sujeto principal, molto appassionato ma non troppo allegro, es de enorme amplitud y de aliento inexorable. La pieza, una de las más famosas de Brahms, posee gran inestabilidad tonal y una riqueza temática impresionante. Es con bastante claridad, un allegro de sonata con un desarrollo muy extenso. A ese primer tema se unen no menos de tres ideas. La primera de ellas, una suerte de procesión invernal, tiene todo el fantástico encanto de la vieja balada nórdica. Los distintos motivos se superponen hábilmente, en procedimiento ciertamente rapsódico. El primero y el cuarto juegan en el poderoso desarrollo. Brahms estrenó este opus 79 en Krefeld el 20 de enero de 1880. (De las notas de Arturo Reverter.(Guías Scherzo. Península) Barcelona.)

Frédéric Chopin (1810-1849).
Nocturnos opus 9 número 1 y 3.

Durante gran parte de su vida compuso Chopin nocturnos, o sea desde 1827 a 1846. Chopin, una vez descubrió este género entre la obra de Field, lo cultivó con relativa constancia y pronto lo convirtió en algo muy diferente de lo inventado por el pianista irlandés. Con muy contadas excepciones todos los nocturnos tienen la misma forma ternaria en la que la segunda parte ofrece un franco contraste con la primera, y la tercera es repetición, a veces abreviada y aún transformada de la primera. Todos ellos son eminentemente líricos, cantantes y algunos, verdaderas romanzas, con ese vocalismo italianizante de Chopin. (Jesús Bal y Gay) de "Chopin" (Fondo de Cultura Económica) México. Sobre los Nocturnos op. 9 números 1 y 3, Michel Deledique, en "La vida Romántica de Federico Chopin" se lee: "Chopin conoció en la pasión lo que existía de más raro y de más exquisito: 'el ensueño'.

Posiblemente en la noche, antes de acostarse, para consolar su soledad se habría sentado ante su piano y, olvidándose de todo, habrá dejado a sus dedos evocar, en la silente oscuridad, una de esas encantadoras y poéticas melodías de que su alma estaba siempre llena, como los Nocturnos en Mi bemol menor, Mi bemol mayor y Si mayor (Opus 9 nº 1 , nº 2 y nº 3), que acababa de componer".

Vals opus 70 nº 2 en fa menor.

Según Deledicque: "A fines de octubre el compositor tornó a París. Traía probablemente terminado en su carpeta el Vals en fa menor, obra sencilla y sin pretensiones, pero agradable como un recuerdo feliz".

Balada nº 1, en sol menor", opus 23.

"En su origen, la balada era un pieza vocal, - dice André Lavagne - épica y lírica a la vez, en la que se mezclaban la leyenda y la fantasía. Sería muy difícil averiguar la idea literaria que siguió el músico en la composición de 'este cuento poético'. En cambio, no lo es descubrir en él la intensa expresión dramática y la más original técnica pianística. Niecks piensa que 'ninguna obra de Chopin produce tanta sensación de novedad y de sorpresa'. Esta balada era también la obra preferida de Schumann. Un día se lo dijo a Chopin, y éste, después de un momento de reflexión, le contestó: `Me alegro mucho porque yo también lo creo así'. La forma de esta obra es muy libre. Los dos temas, desarrollados alternativamente, están cortados por transiciones, ora llenos de exquisita gracia, ora llenos de fogosidad. Una de las grandes dificultades de esta pieza es ante todo la sonoridad. Se necesitan unos dedos de terciopelo para frasear la queja del comienzo, que debe ser tocada sin `rubato´, pero también sin sequedad. Esta exposición del tema, que parece tan sencilla, es temible: ¡cuatro compases bastan para juzgar al pianista!

PROGRAMA

Fantasía y Fuga en sol menor para órgano, (transcripción para piano de Franz Liszt) BWV 542 de J. S. Bach. (1685 – 1750). Sonata nº 26, opus 81ª , en mi bemol mayor, "Los Adioses", de L. v. Beethoven. (1770- 1827) El Adiós: Adagio, Allegro La Ausencia: Andante espressivo El Regreso: Vivacissimamente

Dos Rapsodias para piano, opus 79 de J. Brahms (1833-1897). Nº 1 en Mi menor Nº 2 en Sol mayor

INTERMEDIO

Dos Nocturnos de Frédéric Chopin (1810-1849) Opus 9: Nº 1 en Mi bemol mayor Nº 3 en Si mayor Opus 27 nº 2 en Re bemol mayor Vals opus 70 nº 2 en fa menor Vals "Póstumo" en Mi mayor Balada nº 1, opus 23 en Sol menor. FIN. 11

TERESITA GÓMEZ

Teresita Gómez nació en Medellín e inició su formación pianística a los cuatro años de edad en el Instituto de Bellas Artes, de la mano de las profesoras Marta Agudelo de Maya y Anna María Penella. Realizó cursos de piano superior en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia con las pianistas Tatiana Goncharova e Hilde Adler y posteriormente en el Conservatorio de la Universidad de Antioquia con el maestro Harold Martina, obteniendo su grado de Concertista y Profesora de Piano SUMMA CUM LAUDE en dicha institución.

Recibió clases maestras del maestro Jaime León, en la ciudad de Bogotá, y de Bárbara Hesse, Jacob Lateiner y Klauss Besslau (en Varsovia, Weimar y Berlín respectivamente). Como solista ha ofrecido numerosos conciertos con las más importantes orquestas de Colombia, y en Polonia con la Orquesta Sinfónica de Jelenia Góra. Tuvo la oportunidad de interpretar como estreno mundial el Segundo Concierto para piano y orquesta (dedicado a Colombia) del compositor italiano Carlo Jachino, junto a la Orquesta Sinfónica de Colombia, en 1970.

Ha ofrecido recitales tanto en Colombia como en el exterior: La Habana, Ciudad de Panamá, Quito, Caracas, Maracaibo, Brasilia, Rio de Janeiro, Sao Paulo, Ciudad de México, Asunción, Berlín, París, León, Madrid, Bucarest, Varsovia, Sofía, Bari, Hamburgo, Budapest, Munich, Berna, Granada, Viena, Bruselas, Leipzig, Ginebra, Wassenar, Basilea, Zurich y La Haya, entre otras.

Formó parte del Conjunto de Música Contemporánea, del Trío Frank Preuss y del Quinteto Bogotá, además de tocar a dúo con Luz Ángela Posada y Frank Fernán dez. A lo largo de su carrera ha tenido la oportunidad de ser co-intérprete junto a varios artistas de talla internacional, entre los cuales se destacan: Louisse Parker, Martina Arroyo, Marina Tafur, Aldona Stempuzis, Carlo Bergonzi, Carmiña Gallo, Martha Senn, Roberto Patterson, Pierre Benusiglio, Ramón Calzadilla, Alejandro Ramírez, Diver Higuita, Paul Tortelier, Paul Zukofski, Florio Croce, Marshall Stith, Jean Pierre Rampal, Frank Preuss, Ruggiero Ricci, Aníbal Dos Santos y Diego Villa, entre muchos otros.

Durante su carrera profesional ha desarrollado una importante labor docente en la Universidad de Caldas, la Universidad del Cauca, la Universidad de los Andes y la Universidad EAFIT. En la actualidad es profesora titular en la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia.

Como Agregada Cultural de la Embajada de Colombia en la República Democrática Alemana (1983-1987), durante el gobierno del Presidente Belisario Betancur, llevó a cabo una fértil actividad musical en toda Europa y realizó una labor sin precedentes en la divulgación de los más destacados compositores colombianos. Ha representado a su país en los más diversos e importantes certámenes internacionales, entre los que sobresalen el Festival Internacional Franz Liszt (Weimar, Alemania, 1986), el Festival Internacional de Invierno Campos do Jordao (Brasil, 1995), la Semana Colombiana en Venezuela (Caracas, 1997 y 2004), la Semana Cultural de Colombia en México (1997 y 1999); en el Liceo de Barcelona, recital y clase maestra (Barcelona, 2004) y en los festivales de música colombo-catalana, Universidad de Eafit (Medellín, 2003, 2004).

Durante la celebración de sus 50 años de vida artística, ha sido reconocida por diferentes instituciones. Recientemente fue condecorada por la orquesta Filarmónica de Bogotá con la Orden al Mérito Filarmónico y el gobierno colombiano la condecoró con la CRUZ de BOYACÁ GRADO COMENDADOR. También fue invitada a Cuba para interpretar el Concierto en Fa de Gershwin, en compañía de la Orquesta Sinfónica Nacional de la Habana y con la dirección de la maestra Cecilia Espinosa, directora de la Orquesta de la Universidad EAFIT de Medellín.

Ha obtenido diversos premios y distinciones entre los que mencionamos la Medalla de oro otorgada por la Alcaldía de Medellín, 2005; el Premio Mariscal Jorge Robledo, Orden al Mérito, Asamblea de Antioquia, 2005; el Premio Francisco Antonio Zea, Orden del mérito Universitario, Universidad de Antioquia, 2004; el Reconocimiento Camino de la Fama, otorgado a las 20 personalidades antioqueñas más reconocidas, en los 25 años del Centro Comercial Camino Real, 2004; Premio Julio Álvarez Cerón, Universidad Industrial de Santander, 2003; Frente Unido de Negritudes de Colombia, 2001; X Festival Internacional de Arte, Cali 2001; Premio Raúl Gómez Jattin al Mérito Cultural, Cereté, 2000; Colombiano Ejemplar, 1999; Sociedad de Mejoras Públicas, Medalla al Mérito 1993; Sala de Conciertos de La Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de La República, 1991; Instituto Musical de Cultura y Turismo, Interpretación Musical, 1990.

Página Internet: http://www.soledad.be/

FUNDACIÓN SALVI / MINISTERIO DE CULTURA

SOLEDAD

Manu Comté acordeón – Jean-Frédéric Molard violín – Alexander Gurning piano Patrick De Schuyter guitarras – Sam Gerstmans contrabajo – Michel Seba percusión

SOLEDAD nace en 1995 a raíz del encuentro de cinco jóvenes músicos, todos posesores de una sólida formación clásica. Seducidos por la obra de Astor Piazzolla, se especializan en la interpretación del "Nuevo Tango". La originalidad de esta agrupación y su personalidad llaman la atención de compositores contemporáneos como Frédéric Devreese, Alberto Iglesias, Daniel Capelletti y motivan igualmente a los integrantes del grupo a escribir obras originales con arreglos coloridos por sus diversas influencias. Esta visión muy actual de la composición lleva SOLEDAD a seguir el camino trazado por Piazzolla y abre nuevas perspectivas musicales. Muy pronto, el grupo empezó a recibir los favores del público. Durante uno de sus conciertos en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, se produce el encuentro con Martha Argerich. Inmediatamente, ella decidió invitarlos a presentarse en concierto con ella en diferentes escenarios internacionales.

En enero del 2002, SOLEDAD cierra la ceremonia de entrega de los premios de las Victorias de la Música Clásica, transmitida en directo por el Canal 3 de Francia. En diciembre del 2002, reciben el premio "Impacto del Año" otorgado por la prestigiosa revista especializada "El Mundo de la Música" por la grabación de su primer disco con Virgin Classics. El crítico francés Georges Gad escribe, hablando del disco: "Universo patético e embriagante, golpeado de marfil, con olores fuertes a Argentina, los doce títulos de este álbum constituyen una carrera al límite que fascina, en un repertorio que pasea entre obras de Piazzolla, Richard Galliano, Daniel Capeletti, Michel Lysight e Stravinsky. Para realizar esta obra maestra, se necesitaban virtuosos. Los virtuosos, es el grupo SOLEDAD".

El mismo año, la Union de la Prensa Musical Belga los nomina por el premio "Joven Músico del Año".

El segundo álbum de Soledad, llamado "Del Diablo" salió en el 2003 con el sello de Virgin Classics. El tercero "Pasaje", dedicado a la música del compositor Frédéric Devreese se hizo en compañía del gran guitarrista Philiip Catherine en octubre de 2006 con EMI/Virgin Classics.

Estos álbumes recibieron las mejores críticas de la prensa internacional y donde se produce Soledad, las audiencias quedan seducidas.

SOLEDAD ha firmado con el sello ENJA Records para realizar su último trabajo discográfico llamado "Soledad in Concert". La grabación se realizó durante dos noches magníficas en la acústica ideal del Studio 1 de Flagey en Bruselas. Por primera vez, el repertorio incluye obras escritas por miembros del grupo.

Hoy, encontramos a SOLEDAD en las salas más prestigiosas, en festivales internacionales como el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, el Suntory Hall de Tokio, el Gran Auditorio del Palacio de Festivales de Cannes, en el Concertgebouw de Amsterdam, en el Festival de la Roque d'Anthéron en Francia, en el Euromeet Jazz y en el Veneto Jazz Festival de Italia, el el festival Al Bustan de Líbano, en el Miami Festival en Florida, en el festival Argerich de Taipei en Taiwan, Lugano en Suiza, Beppu en Japón, y en el famoso festival de Jazz de Montreal en Canadá.

Los críticos son unánimes, no importa su especialización en música clásica, músicas del mundo, jazz o rock: SOLEDAD es impresionante y subyuga cualquier público, reuniendo una técnica perfecta con una profunda sensibilidad musical y un entusiasmo despeluznante.

Discografía:

"Soledad in Concert" – ENJA Records (abril 2010)

"Pasaje" – EMI/Virgin Classics (2006)

"Del Diablo" – EMI/Virgin Classics (2004)

"Soledad" – EMI/Virgin Clasics (2002)

"Soledad toca Piazzolla" – Chamber (1998)

BIOGRAFÍAS INTEGRANTES DEL GRUPOS

Manu Comté – acordeón

Manu Comté es el fundador de Soledad en 1995. Ganó numerosos premios internacionales. Diplomado en pedagogía musical del Instituto Superior de Música y de Pedagogía de Namur (Bélgica). Recibió un primer premio en música de cámara y un título superior de acordeón con la más grande distinción y felicitación del jurado en el Conservatorio de Mons (Bélgica). En 1998, Manu Comté recibie el primer premio de la ciudad de París con felicitaciones del jurado en la clase de acordeón contemporáneo de Frédéric Deschamps en el conservatorio "Lili y Nadia Boulanger", también recibe clases con Jacques Mornet y Richard Galliano. En 1996, inicia una gira mundial como acordeonista solista en la producción "Het Muziek lodt". Ha participado en numerosos conciertos como músico de cámara o solista en Europa y en América Latina.

Alexander Gurning – piano

Nacido en Bruselas en 1973 de padres oriundos de Indonesia y de Polonia. Sus estudios musicales fueron fuertemente marcados por influencias francesas u rusas. Recibe un primer premio de piano en el Conservatorio Real de Bruselas en la clase de Nicole Henriot, luego un título superior con gran distinción y felicitaciones del jurado en la clase de Eugène Moguilevsky del cual es en este entonces, asistente. Trabaja igualmente con Gyorgy Sebök, Lev Naoumov y luego recibe clases con Victor Merzhanov en el Conservatorio Tcahikowsky de Moscú. Se ha presentado como solista en diversos festivales, entre los cuales podemos mencionar los de Bejing, Beppu, Sapporo, Saratoga, Tanglewood, Schleswig-Hollstein, Obidos, Sintra, Ravello, Lugano, La Roque d'Anthéron y Verbier. Su discografía incluye música de cámara con Soledad (Virgin Classics), con Renaud Capucon (EMI) y repertorio para piano solo. Su disco editado por EMI en la serie "Martha Argerich presenta…" en el 2004 fue elegido "impacto del Mundo de la Música" por parte de la prestigiosa revista musical francesa. Alexander Gurning ha actuado como solistas con la Orquesta Nacional de Bélgica, la orquesta de la Radio Flamenca, la Orquesta de la Suiza Italiana, Orquesta Filarmónica de Radio France, Orquesta Sinfónica de Boston y de Philadelphia bajo la batuta de Alexander Rabinovitch, Charles Dutoit y Myung-Wun Chung. El es miembro fundador del ensamble Soledad.

Jean-Frédéric Molard – violín

Nacido en el seno de una familia de músicos, Jean-Frédéric Molard empieza muy joven el estudio del violín con su padre. Luego de estudios en Francia en el Conservatorio de Tours y en el Conservatorio Nacional de Región de París, entre en el Conservatorio Real de Música de Bruselas donde recibe el título superior de violín y de música de cámara. Desde 1998, trabaja con la Orquesta de Cámara de Walonia y con la Orquesta Filarmónica de Liejas. Es miembro de Soledad desde el año 2003.

Patrick De Schuyter – guitarra

Patrick De Schuyter se dedica a partir de los 16 años a la práctica de la guitarra folk y al arte del "picking" antes de estudiar música clásica. En 1983, recibe el título superior de guitarra y un premio de música de cámara en el Conservatorio Real de Bruselas. Laureado de la Fundación Menuhhin, se presenta con diferentes ensambles, duos, tríos así como solista, entre otros con la Orquesta de Cámara de Walonia. Guitarrista principal del famoso cantante Julos Beaucarne desde 1993, es igualmente el fundador del grupo de blues-rock "Patolie's". Patrick De Schuyter es miembro de Soledad desde el año 2000.

Sam Gerstmans – contrabajo

Nacido en 1978, Samuel Gerstmans hace parte de una familia de músicos. Empezó a estudiar violín a los 6 años y la trompeta a los 8. Estudió en la Academia Musical de Hannut estos dos instrumentos y recibió igualmente clases de ensamble instrumental e historia de la música. A los 19 años, luego de recibir una formación clásica, se interesa por la música de Jazz y se matricula en el Jazz Studio de Amberes. Al año siguiente, se matricula en el Conservatorio Real de Música de Bruselas en la clase de Michel Hatzigeorgiou. Este mismo año, empieza a trabajar en el Teatro de los Martires en Bruselas. Es para una obra teatral llamada "El Maestro y Margarita" que Samuel empieza a tocar el contrabajo interpretando la música de Pascal Charpentier. Desde este entonces, no dejará de tocar sino el contrabajo. Recibe un premio de bajo eléctrico en el 2001 y luego un premio de contrabajo jazz en el 2003. Ha tocado con grupos y músicos como PHINC, Phil Abraham Trio, Michel Herr Life Lines, Mélanie De Biasio, Los Violines de Bruselas, Guy Cabay y Déborah Rown. Hace parte del grupo Soledad desde marzo de 2011.

Michel Seba – percusión

Michel Seba recibió clases de percusión con Chris Joris, Didier Labarre, Diederik Wissels y Frank Michiels en el Conservatorio Real de Música de Bruselas. Ha tocado en numerosos conciertos con Diederik Wissels, Chris Joris, Bihogo Quartet, Manu Hermia, Steve Houben (Panta Rhei), Ivan Paduart, Nut Factory. Tambien ha tocado en obras musicales escritas para teatro con Pirly Zurstrassen, Erwin Vann, E411 de Marc Hérouet y la obra de Pierre Vaiana "un poco loco". Tambien ha acompañado músicos prestigiosos como Jean-Pierre Catoul, Marcia Maria, Pierre Vaiana, David Linx, Jean-Louis Rassinfosse, Eric Legnini, Fabien Degryse, Michel Hatzigeorgiou, Stéphane Galland y cantantes como Ilona chale, Pascal Charpentier y Philiippe Lafontaine.

También hizo parte del famoso grupo francés de música traditional "Trivelin". El es miembro de los grupos "J.D.H. Band" (grupo de latin jazz dirigido por Jan de Haas), "Bihogo" (cuarteto dirigido por Chris Joris), "Foofango" con Pierre Vaiana y "Slang" (trío con Francois Garny y Manu Hermia). También ha trabajado con el organista francés Eddy Louiss y ha girado con el grupo de percusión "Ten-Tamarre". Se ha producido en el Festival de Jazz de Montreal, en el Belga Jazz Festival, en el Gaume Jazz Festival, en el Festival de Ouaga (Burkina Faso), en festivales en París, Hungria, Gran Bretaña, Alemania y Holanda. Ha participado en la grabación de más de 10 discos con grupos diversos y como solista.

El Ensamble Periscopio de la Universidad EAFIT, dirigido por el profesor Víctor Agudelo, tiene como objetivo, despertar el interés en las nuevas generaciones por la interpretación de la música de los siglos XX y XXI, tanto del repertorio estándar universal como de autores colombianos, latinoamericanos, las nuevas propuestas de los estudiantes de composición de la universidad y otros proyectos que envuelvan la estética de la música erudita actual.

El ensamble también cuenta con miembros que hacen parte del plantel profesoral del Departamento de Música, de esta forma, se llevan a cabo proyectos no solo de ámbito académico, sino también de proyección extracurricular.

Musical Toys (1968)
Sofía Gubaidulina (1931- )

Piano: Alfredo Delgado

Sofia Gubaidulina (Ruso: София Асгатовна Губайдулина), compositora de ascendencia rusa y tártara. Su música está marcada por el uso de ensambles instrumentales inusuales. En la obra Erwartung, combina percusión (bongos, güiro, temple blocks, platillos y tam-tams entre otros), acordeón de botones y cuarteto de saxofones.

Una persona absolutamente religiosa, redefine "religión" como "re-ligio", relegar o restauración de su conexión consigo misma y con el Absoluto. Este misticismo es lo que caracteriza principalmente toda la obra de Gubaidulina.

Musical Toys (1968), consta de 14 piezas cortas de aproximadamente un minuto cada una, y usa el elemento programático del título de cada una de ellas para darles el carácter que contienen. Esta forma de elaborar una obra grande recuerda al Álbum para la Juventud de Robert Schumann o a El Rincón de los Niños de Claude Debussy, particularmente por ser compuesta para la niñez.

Las primeras 7 piezas:

1. Mechanical Accordion – Acordeón Mecánico

2. Magic Roundabout – Carrusel Mágico

3. The Trumpeter in the Forest – El Trompetista en el Bosque

4. The Magic Smith – El Herrero Mágico

5. April Day – Día de Abril

6. Song of the Fisherman – Canción del Pescador

7. The Little Tit – El Pequeño Pájaro

Caen Flores (Canción Folclórica Tataria) Arreglo: Rustam Komachkova/p>

Contrabajo 1: Kathy Cardona

Contrabajo 2: Carlos Andrés Barrera

Canción folclórica Tataria adaptada para dos contrabajos por el ruso Rustam Komachkova. La pieza está construida sobre escalas modales y pentatónicas (cinco sonidos) y tiene una forma ternaria (ABA').

Komachkova incursiona en el formato para dueto de contrabajos, empleando cada uno en registros distantes para así cubrir gran parte del espectro, de esta forma, podemos escuchar el primer contrabajo haciendo una hermosa melodía mientras el segundo acompaña con pizzicato (pellizcando las cuerdas).

También juega con diferentes ataques de arco, como détaché (arcos separados para cada nota, staccato (arco picado sobre cada nota) y trémolo (movimiento rápido del arco sobre una o varias notas repetidamente).

Sonata para Violonchelo Solo, Op. 25, No. 3(1923) I. Lebhaft, Sehr markiert, Mit festen bogenstrichen Paul Hindemith (1895-1963)

Violonchelo: Johana Madrid

Compuesta en 1923, la Sonata para violonchelo solo, es una de las tres sonatas para instrumentos de cuerda solista que Hindemith incluyó en su Opus 25. La pieza fue al parecer un trabajo rápido (cuatro de los cinco movimientos habrían sido compuestos en un solo día). Este movimiento tiene una forma claramente establecida que muestra un esquema de cuatro partes. Siendo una obra para violonchelo solo, este toma un papel melódico al tiempo que forma su plataforma armónica, jugando con las variaciones rítmicas que le dan un elevado temperamento a este movimiento. /p>

Tríptico No. 1 (1981) Andrés Posada (1954)

Clarinete: Diego Acevedo

Los trípticos para clarinete solo compuestos por Andrés Posada, evidencia parte de la evolución de este compositor, que combina elementos tradicionalmente idiomáticos del clarinete con nuevos recursos de ejecución, relevando un conocimiento profundo de la técnica instrumental.

El primero de ellos, para Clarinete en La, fue escrito en el verano de 1981 durante su estadía en Nueva York y dedicado al clarinetista Jorge A. Gaviria. Ya desde las primeras notas afloran elementos que se mantendrán durante toda la obra, como la alternancia de frases muy rítmicas con secciones de carácter más lírico.

El segundo movimiento se constituye en un momento reflexivo de gran introspección en donde explota con maestría las cualidades dinámicas y sonoras del clarinete.

Pieza no. 1 para piano y violonchelo (2011) Pieza no. 2 para piano (2011) Andrés Gallo (1987-)

Piano: Juan Esteban Angulo

Violonchelo: Johana Madrid

Pensando en el compositor Érik Satie, compongo estas piezas con un tratamiento libre, sin estar basadas en algo extramusical de manera intencional, sólo busco la diferencia de carácter entre una y otra, pero jugando con el mismo material melódico. (Andrés Gallo).

Motivo (2005) Emil Tabakov (1947-)

Contrabajo: Kathy Cardona

Emil Tabakov, nació en Bulgaria en 1947, compositor, contrabajista y director de orquesta. Ha compuesto 7 sinfonías, conciertos instrumentales y un réquiem (misa de difuntos). Tabakov se graduó en 1974 de la Academia Estatal de Música de Bulgaria en contrabajo. En 1978 recibió Diploma de Composición en la Academia Estatal de Música de Bulgaria. En 1977 fue el ganador del Concurso Nikolai Malko Internacional de Jóvenes Directores en Copenhague.

La presente obra fue escrita en el 2005 y se titula MOTIVO. Es una pieza para contrabajo solo y contiene diferentes ritmos característicos de la música tradicional Búlgara. La obra expone un motivo principal que reaparece constantemente con variaciones. Sin duda alguna, es una pieza que recrea todo el virtuosismo alcanzado por el contrabajo en el presente siglo.

Asthánga (2011) Para Violonchelo y Medios electrónicos Matías Uribe (1988 - )

Violonchelo y medios electrónicos: Matías Uribe

Esta pieza tiene su origen en la búsqueda de un estado de conciencia expandida. "Ashtánga" es un término sánscrito que significa "en ocho partes" , el número que, en los textos del hinduismo antiguo, simboliza la práctica que en este caso, conduce a dicho estado de conciencia. De aquí parte la estructura formal de la pieza, cada una de las ocho partes que la conforman tiene una correspondencia directa con un determinado anga (parte) de la práctica, tal como se hacía en la antigüedad. El orden inicial de las ocho partes (identificación con los arquetipos, retribución energética, vocalización de sonidos y ultrasonidos, expansión de la energía biológica, purificación fisiológica y metafísica, técnicas corporales, descontracción y, finalmente, hiperconciencia) puede ser alterado por el intérprete, de acuerdo con sus intenciones, con excepción de las últimas dos, que deben aparecer estrictamente al final.

INTERMEDIO

Transformaciones (2011)

María Clara Salinas (1990-)

Violín: Johana Campos

Viola: Juan Felipe Saldarriaga

Violonchelo: Johana Madrid

Piano: Alfredo Delgado

Vibráfono: Carlos Areiza

Buscando la fluidez y la transformación desde lo simple, se concibe la pieza como un tema con 7 variaciones en las que se exploran diferentes caracteres, intenciones y texturas dentro de una atmosfera tranquila durante toda la obra.

Resurrecciones (2011)

Música: Camilo González Restrepo (1982 - )

Texto: Hernando García Mejía

Soprano: Raquel Saenz

Violonchelo: Matías Uribe

Piano: Víctor Agudelo

Clarinete: Diego Acevedo

Pieza para Soprano acompañada por Piano, Clarinete y Violoncelo, compuesta sobre un poema del escritor colombiano Hernando García Mejía.

Escrita en 2011 como material de trabajo en el "Taller de Composición e Interpretación" del programa de Mestría en Música de la Universidad EAFIT, presenta una técnica de composición serialista (herramienta para organizar los sonidos, empleando series numéricas) y busca rescatar al máximo la expresividad del poema.

Resurrecciones

Pinceladas (2010) Diego Ortiz (1987-)

Violín: Johana Campos

Viola: David Gómez

Violonchelo: Matías Uribe

Contrabajo: Carlos Andrés Barrera

Percusión: Diego Ortiz

En esta obra se funden diferentes estados de ánimo sugeridos en la música y reinterpretados por la imagen, que no solo interviene el color sino también la textura, la forma y el movimiento. La forma musical empleada es el tema con variaciones y la técnica plástica se basa en la proyección de diferentes estados de la materia, desde el inestable e impredecible movimiento del aceite en el agua, hasta lo estático y gélido del hielo, pasando por la irrevocable marca de la tinta en el papel y la versatilidad de la arena. La obra fue estrenada en el 2010-1 en el Auditorio Fundadores de la Universidad EAFIT.

FIDIAS (2011)

Jhonnier Ochoa (1985-)

Fagot: Ana García

Corno: Angélica Ortegón

Violonchelo: Santiago Bernal

Piano: Víctor Agudelo

Es el primer movimiento de una obra inacabada para cuarteto (fagot, corno en fa, violonchelo y piano). Yace de una mirada que comprende diversas perspectivas estilísticas de la forma sonata (forma musical creada en el siglo XVIII que consta de 3 ó 4 movimientos) y sus elementos constitutivos. Las proporciones de la estructura, partiendo de la microforma hasta la mesoforma, están determinadas por el número Φ (fi) que representa el número áureo o divina proporción, sus elementos temáticos principales y subsidiarios están construidos en intervalos según la serie Fibonacci. Toda esta concepción tuvo una clara influencia de los procedimientos utilizados por Béla Bartók (compositor Húngaro, 1881-1945) en muchas de sus obras.

Medellín Festicámara, un sueño cumplido En alianza con el Centro Cultural Auditorium Maximum

"Festicámara recoge la pedagogía musical iniciada por la Alcaldía de Medellín a través de la Red de Escuelas de Música, donde los niños y los jóvenes han encontrado un espacio para su formación integral y una filosofía de vida que les ha permitido crecer en el ámbito artístico y personal" manifiesta el señor Alcalde de la ciudad, Anibal Gaviria Correa, al referirse a lo que significa para la administración local la realización de este tipo de eventos.

Entre el 25 de marzo y el 9 de abril se llevó a cabo la segunda versión de Medellín Festicámara, el Festival Internacional de Música con grupos de Cámara dirigido por el músico norteamericano Scott Yoo, que reunió, en un mismo escenario, los más destacados intérpretes del mundo con jóvenes de la Red de Escuelas de Música de Medellín, para ofrecer a la ciudad seis extraordinarios conciertos gratuitos.

Medellín Festicámara se ha venido posicionando como un festival con sentido social, pedagógico y humano, que permite que los jóvenes de las diferentes escuelas de música de los barrios de la ciudad, convivan, reciban clases magistrales y se presenten en concierto con los más reconocidos interpretes de la música de cámara del mundo.

Medellín Festicámara es un sueño cumplido que alcanzó altos niveles de calidad y reconocimiento en su primera versión 2011. Para la segunda versión, un elemento adicional será la inclusión de instrumentos de viento, tanto en las clases magistrales como en la conformación de las agrupaciones que actuarán en los 6 conciertos de ciudad que se tienen proyectados.